Эшли Бикертон, художница, высмеивающая потребительство, умерла в возрасте 63 лет – ARTnews.com

Эшли Бикертон, художник, который стал знаменитостью нью-йоркского арт-мира в 1980-х годах, но неожиданно покинул сцену в 90-х, умер в среду в возрасте 63 лет на Бали, Индонезия. В прошлом году ему поставили диагноз БАС, также известный как болезнь Лу Герига, которая поражает нервную систему и может привести к изнурению.

Представитель Гагосяна, мегагалереи, с которой началось представляющий Бикертон ранее в этом году подтвердил его смерть. Гагосян планирует выставку своих работ на 2023 год.

В 80-е годы Бикертон стал известен своими увлекательными работами, пародирующими потребительские импульсы. Он делал работы в смешанной технике, которые называл автопортретами, но они состояли только из логотипов телеканалов, автомобильных компаний, производителей сигарет и многого другого. И в какой-то момент он даже создал для себя бренд SUSIE (полное имя: Susie Culturelux), который, по его словам, будет служить «индексом / именным брендом / художественной подписью» для будущих искусствоведов.

Статьи по Теме

Однако по мере того, как его стиль менялся, он начал ускользать от критиков, а в начале 90-х вообще покинул город, уехав на Бали, где продолжал управлять студией до конца своей карьеры. Благодаря усилиям таких галерей, как Lehmann Maupin, Different Small Fires и Gagosian, а также таких художников, как Дэмиен Херст, Джордан Вольфсон и Джамиан Джулиано-Виллани, работы Бикертона за последние несколько лет пережили критическое возрождение.

В середине 80-х Бикертон стал сенсацией на рынке Нью-Йорка. Он был представлен на знаменитой выставке 1986 года в галерее Sonnabend, которая укрепила движение Neo-Geo, которое возродило геометрическую абстракцию с новым постмодернистским уклоном, и поднялось вместе со своими соотечественниками Питером Галлеем, Мейером Вайсманом и Джеффом Кунсом.

Работы, которыми он был известен в то время, представляли собой причудливые металлические сборки, дополненные такими элементами, как кожаное покрытие и алюминиевые детали. Некоторые обращались к визуальному языку модернистской абстракции только для того, чтобы предположить, что он потерял всякую трансцендентность и стал корпоратизированным, как это сделал Бикертон в Абстрактная живопись для народа #3 (1985), в котором изображения ванн, писсуаров и туалетов в профиль сопровождаются четырехкратным повторением слова «РЕФЕРАТ».

Гладкие и тщательно отполированные, эти работы выглядели так, как будто они только что сошли с конвейера. Он называл их «созерцательными стенками»; другие иногда группировали их под расплывчатым ярлыком «товарное искусство», используемым для обозначения многих художников, которые включили брендинг в свою работу.

На просьбу объяснить, о чем были подобные работы и почему он включил в них так много идей, он ответил: Артфорумв 2003 интервью«Моей работой была культура».

Критики смотрели на эти произведения с подозрением, даже несмотря на то, что рынок для них сильно упал. «Несмотря на свою деконструктивистскую смекалку, дерзкое самосознание мистера Бикертона иногда может показаться не более чем последней версией остроумной эстетики, которая всегда имела место в американском искусстве, как, например, в работах Уильяма Т. Уайли. и Х.К. Вестерманн», — написала Роберта Смит в 1987 г. Газета “Нью-Йорк Таймс обзор. «Точно так же можно обнаружить под его холодными поверхностями невмешательства ту же мужскую позу подростка, которая пронизывала большую часть неоэкспрессионизма».

Но к середине 90-х Бикертон дал понять, что его работа движется в совершенно другом направлении. Он начал вызывать обеспокоенность по поводу окружающей среды, в частности, о том, как люди подвергают ее воздействию своих собственных средств. Затем, когда арт-рынок достиг дна во время рецессии, Бикертон фактически начал все сначала, навсегда покинув Нью-Йорк.

Эшли Бикертон родилась в 1959 году на Барбадосе. Его отец был лингвистом-антропологом, мать — поведенческим психологом. Из-за того, что его отец работал по роду деятельности, он прожил странствующее детство, проводя время в Южной Америке и Африке. Когда его семья наконец переехала в США, они оказались в Гонолулу, о чем он сказал в недавний Бруклин Рейл интервью была «совершенно отличной вещью» от остальной части страны. Он не стал натурализованным гражданином США до 80-х годов.

«Можно ли политически безопасно в нашем нынешнем климате сказать, что моя работа всегда была посвящена идентичности в той или иной форме, но, учитывая мой немодный возраст, расу, пол и ориентацию, это не поощрялось, чтобы меня видели или обсуждали таким образом?» сказал он в том разговоре. «По правде говоря, это всегда было так, потому что, поскольку я родился на Карибах и вырос на четырех континентах в семье ученых и почти всегда другой расы, моя ситуация особенная в том, что я никогда не понимал расы в Америке так, как это Американцы это понимают».

Бикертон учился в Калифорнийском институте искусств в качестве студента, а позже был студентом независимой учебной программы Уитни. Спустя годы он остался в Нью-Йорке и завел там последователей.

Сделав карьеру на потребительском рынке, Бикертон начал продвигать свое искусство в незнакомых направлениях, которые было еще труднее разобрать. Он сделал группу скульптур, которые, казалось, функционировали как плавсредства; они были украшены именем его альтер-эго SUSIE. И он стал ориентироваться на миф о художественном гении, который разоблачал как нечто пустое и патриархальное.

В 1993 году работа Бикертона резко пошла налево, когда он переехал на Бали, где, как он сказал в Бруклин Рейл интервью, постколониальные концепции начали занимать его ум. Произошел сдвиг от потребительских образов к заботам о том, что люди сделали с райской природой, которую можно было найти в таких местах, как Бали.

Он начал создавать картины, которые, казалось, отражали доведенный до крайности материализм — они были заполнены в основном обнаженными фигурами, которые, казалось, совершенно не осознавали своего окружения, писали, куря сигареты, и часто выглядели чудовищно. В одном Бикертон представлял себя, его тело было похоже не на человеческое, а на змеиное.

Выставка Соннабенда в Бикертоне в 1996 году, его первая выставка в Нью-Йорке после переезда на Бали, подверглась жестокому обращению. Смит, писать в разназвал некоторые из новых картин «невыносимо ужасными», признав при этом, что другие «с необычайной точностью сфокусированы на сердце тьмы Америки».

Первоначальной реакцией на эти произведения в Нью-Йорке было замешательство, но Бикертон сказал, что индонезийские зрители были в равной степени озадачены ими.

Работы последних двух десятилетий продолжили эту нарочито безвкусную эстетику, стирающую всякое разделение на хороший и плохой вкус. Недавние работы посвящены индустрии туризма в Индонезии, представляя иностранных гостей гротескными синими существами, которые ездят на мопедах.

Написание появления этих произведений в магазине O’Flaherty’s в Нью-Йорке. ранее в этом году в Искусство в Америкекритик Дэвид Эбони сказал: «Подтекст, как всегда, неоднозначен, поскольку изображения предполагают крушение того, что в противном случае было бы райским островом, на которое художник, кажется, претендует с помощью своих заметно намазанных подписей».

Были и работы о море, которое художник представляет себе не как безмятежную водную гладь, а как нечто символизирующее худшие наклонности человечества: живописное место, засыпанное мусором.

В 2021 году Бикертону поставили диагноз БАС, и вскоре после этого он публично объявил об этом. Однако он отказался позволить болезни поглотить его. «Жизнь нужно прожить и продолжать, а я занят — слишком занят — для этого», — сказал он. сказал Журнал Лос-Анджелес.

Говоря с АРТньюс ранее в этом году он отметил, что с тех пор, как ему поставили диагноз, его искусство «естественно [been] смотреть сквозь призму моей смертности — смотреть в бесконечность. Работа, которой я занимаюсь сейчас, вероятно, будет еще более важной. Есть в этом что-то призрачное. У меня нет проблем с тем, чтобы говорить об этом, но я не хочу, чтобы меня знали или судили по этому поводу».

Но больше всего на свете его творчеством долгое время двигало желание запечатлеть каждую часть жизни. Он сказал: «Я хочу иметь возможность обратиться ко всему, что, черт возьми, происходит в мире: к горькому разрыву, прекрасному виду, нежному моменту, чувству тоски или к какому-то политическому возмущению, охватившему нацию».